Pineapple Express

En Superbad, Seth Rogen y Evan Goldberg se encargaban de construir una comedia adolescente desde la épica que es comprar alcohol siendo menor de edad. Toda la trama giraba en torno a ello, los problemas que se generaban durante una tarde/noche, uno tras otro, hasta el final. La historia se convertía en una buddy movie, y encontrábamos dos bandos paralelos: La los dos mejores amigos, y la de el colega y los policías que complementaba a la otra con mayores dosis de locura. Bajo todo ello, se encuentra una verdadera comedia acerca de la amistad pero, al fin y al cabo, también sobre la necesidad de ser aceptados por los demás.

Pineapple Express repite equipo de guionistas, entre otras cosas, pero, sobre todo, repite el mismo esquema de Superbad. La narración vuelve a girar sobre un determinado suceso que provoca una serie de acciones cómicas pero, si en Superbad era culpa de todo lo que conlleva ser adolescente en Pineapple Express es la inmadurez, el miedo a enfrentarse a los problemas de cara. El temor a abandonar la marihuana; el temor a perder la felicidad.

Pero centrémonos realmente en lo que hace que Pineapple Express se sitúe a otro lado de los habituales productos de la factoría Apatow, y que, de paso, se confirme como una comedia excelente: Ese slapstick ejecutado por una perfecta pareja de fumados que se dilata hasta límites insospechables, y cada golpe siempre es más seco y brusco que el anterior. Mención aparte es la construcción de un trío protagonista que explota todas sus virtudes como cómicos.

Definitivamente, el film de David Gordon Green no es, ni mucho menos, perfecto. Su final se dilata hasta perder ritmo y furia. Algo que la película ya sufre en esos tiempos muertos en los que los efectos de la marihuana parecen relajarse y que no termina de saber hacia dónde ir.

Halloween

En realidad, no paro de escribir. Sí, hace tiempo que no publico, y no daré demasiadas explicaciones. Mis razones tengo. Pese a todo, y espero volver de verdad rápido, he escrito un texto para el blog de Noel, donde escojo mi Doble Feature para un Halloween de nivel.

Leánlo.

WANTED

No me asombra, una vez vista la película, las comparaciones con El club de la lucha. Pero en su desarrollo son casi radicalmente distintas, partiendo de una idea como la del hombre mediocre que se auto-expía hasta tener un control total sobre su vida. Wanted, la película, utiliza el argumento al servicio de un festival de clímax adrenalínicos que desafían leyes físicas, que es lo importante, y que, sobre todo, es consciente de que se está creando puro cine. Ya lo decía Tones cuando hablaba de por qué amaba el cine de acción: Es el único género genuinamente cinematográfico. Yo añadiría que es el más espectacular, el más parecido a un parque de atracciones. Y Wanted explota todos los recursos cinematográficos existentes hasta convertirle en un film de una arrebatadora belleza, que sólo podría definirse como orgásmica. Es hiperbólica casi por definición, y no para de principio a fin.

Tampoco me sorprenden las comparaciones con Matrix. Olvídense, Wanted juega en una liga distinta, autoconsciente de lo que es, y por eso es así de chula y divertida. Abandona la metafísica, e incluso, ironiza sobre ella cuando habla de que el destino está escrito en tela. Y es en el final, cuando definitivamente escupe contra ella, en un canto al individualismo tan sarcástico como furioso.

Que Wanted esté protagonizada por supervillanos es necesario (aunque es algo que viene del tebeo, claro) , y no es baladí. Es así como se puede componer una orquesta de violencia, rabia y ambigüedad. El espectador acepta, sin resignación, en palabras de Minchinela, “entrar en una fantasía que no va a ninguna parte”, heredera de Hong Kong (concretamente de John Woo), y tomaremos una escena del clímax final como ejemplo: Wesley entra en la sede de la hermandad, cual Chow Yun-fat, aniquilando múltiples villanos que aparecen de la nada e irrumpiendo en medio del tiroteo, la misma intensidad y un uso del bullet time más perfeccionado. Definitivamente, la película de Timur Bekmambetov acaba como otra fábula subversiva cinematográfica de nuestros tiempos.

La Cosa

La Cosa es otra muestra más de la genialidad de Carpenter a la hora de recrear atmósferas opresivas y Apocalipsis a pequeña escala. Si con The Fog una niebla simulaba una infierno vengativo que comparte momentos con El más allá de Fulci, en La Cosa la Antártida se convierte en la peor representación de la especie humana. Ya no sólo la ambientación, sumamente inteligente, al escoger un terreno apartado completamente de la sociedad. Es decir, en La Antártida que es un terreno inhóspito, frío y aséptico. Igual que los personajes y la narración de la película. En The Thing el espectador es escéptico hacia los personajes y la situación: No hay nadie con el identificarse, quizás con Kurt Rusell por la simple razón de ser el líder y tomar las riendas, pero tampoco el espectador está seguro de quién es un extraterrestre. Aunque, al fin y al cabo, qué diferencia hay. Así, La Cosa se convierte imprevisible por cada minuto que pasa: Falsas identidades y desconfianza mutua; el film obliga a sus protagonistas a ser individualistas-egoísta- y escépticos con sus compañeros: Igual que el espectador. Y un final magnífico: El Apocalipsis se ha desatado, y la esperanza, probablemente, haya desvanecido.

Hellboy 2

Hay un momento en la película en la que Hellboy y Abe, borrachos, comienzan a cantar una popular canción de Barry Manilow. I can’t smile without you condensa los valores y los defectos de la película. Es decir, Hellboy funciona cuando el botón del sarcasmo está en encendido, y el humor que destila Del Toro funciona a la perfección junto a esa panda de monstruos encantadores que llevan sus problemas emocionales al trabajo, con una puesta de escena hábil y barroca. Pero fracasa justo cuando Del Toro lleva al melodrama a sus personajes. Suenan falsos, casi de parodia, sin pretenderlo, y en sus peores momentos se acerca peligrosamente a los peores momentos de la olvidable Superman Returns. Aplaudamos a Del Toro el hecho de llevar a su propio terreno a Hellboy, es decir, se nota la armonía que hay entre director y personaje, pero funcionaría mejor asentando, o apostando, más por una sincronía entre acción y comedia protagonizada por freaks' humanizados' e instaurar mayor emoción a sus escenas de acción, bien rodadas y con coreografías estilosas, pero carentes de emoción adrenalínica.

Como digo previamente, la película gana puntos cuando se asemeja a una sitcom protagonizada por monstruos eternecedores: No se extrañen si en la tercera parte los chistes acerca de los hijos de Hellboy sea lo mejor del film. En definitiva, Hellboy juega con las dos caras de una misma moneda: Utiliza el amor como recurso para un chiste, y utiliza el amor para dar unas gotas de melodrama y cursilería que no le vienen nada bien a la película.

Batman: La Máscara del fantasma

Lo que necesitas es AMOR

“The Animated Series es un producto de los noventa que trasciende de una forma muy bella el espíritu anacrónico de pertenecer a una década”

Alvy Singer.

SPOILERACOS

Adaptemos la frase de Alvy Singer para La Máscara del fantasma. La película de Batman por los creadores de la serie animada. Es momento de rectificar y he de decir que ahora no pienso en The Dark Knight la mejor película de Batman junto a ésta, sino que La Máscara del fantasma es claramente superior en todo. Evidentemente, omite el realismo y la seriedad impostada de TDK. Pero la Máscara del fantasma también es oscura, melancólica, divertida y más profunda (sin querer pretenderlo, todo sea dicho), sin tener que recurrir a frases rimbombantes, metáforas obvias que salen de las bocas de los protagonistas de TDK como si fuesen poetas pochos o dos horas y pico de metraje. En una hora, La máscara del fantasma condensa más que TDK. Me refiero a que consigue contar muchas de las cosas que TDK se propone: Unos orígenes de Batman en el que llega a cuestionarse si convertirse en un justiciero o vivir con su novia una vida sin sobresaltos. Unos orígenes contados mediante recuerdos en un presente pocho y oscuro bajo una estética expresionista recogida de lo mejor que tenían los Batman de Burton, y que sin el espectador lo sepa, nos está contando el origen otro justiciero, aunque su definición real sea la de vengadora. Es decir, la génesis de dos justicieros que combaten lo mismo pero de diferentes maneras: Cuando Batman olvida ser un vengador, y piensa en él como justiciero justo y sin asesinatos, y El Fantasma, el amor de su vida, es una vengadora que mata a todo aquél que provocó la muerte de sus padres, que, al fin al cabo, es la misma mafia que Batman desea desmantelar. Y en el final se nos presenta algo terrorífico: Bruce Wayne no está destinado para el amor, su destino es ser Batman, mientras que Andrea Beaumont está destinada a llorar la muerte de su padre sin ningún apoyo. La Máscara del fantasma también toca el tema del superhéroe y su relación con la sociedad, del rechazo que puede sufrir, aunque no incide demasiado en el tema. Tenemos a un Joker de guest star, como perfecto villano ante un Batman perseguido por la policía e intentado recuperar el amor de su vida en una escenario futurista y abandonado que, paradójicamente, era donde Wayne y Beaumont pasaron uno de sus primeros momentos idílicos. Ahora es la revelación de un futuro mucho peor. La película de Timm, Dini y cia se mueve entre las referencias a los momentos más emocionantes del Batman primigenio en el Año 1 de Miller y la propia serie animada. La película no es perfecta, ni mucho menos, pero están las bases de una excelente sincronía entre acción (soberbias las escenas de acción en la película: Desde sus primeras actuaciones hasta cuando lleva un tiempo siendo Batman), melancolía e inteligentes referencias, algo para lo que Nolan necesita sentirse inteligente al escuchar sus diálogos: Lo peor es que el público acepta que se lo digan a la cara sin ningún respeto.

El Caballero Oscuro

Una de las cosas que he descubierto viendo The Dark Knight es lo patética y tonta que es su predecesora, Batman Begins, que viendo su secuela ya no tiene ningún sentido y la deja todavía más en ridículo: En Begins había una enseñanza moral y diez evidencias en cada escena que, junto a la melodía de Hans Zimmer, el desaprovechamiento de Rha’s Al Gul convertido en un matón de Al-Qaeda o la interpretación de Katie Holmes y su estúpido Rachel Dowes, llegaba a cotas ridículas-sin mencionar unas escenas de acción, ejem, que más que desastrosas…inexistentes-.

The Dark Knight ni es una película perfecta, ni es la película definitiva de Batman, sí la mejor junto a la animada La Máscara del fantasma, muy superior a Begins, Scumacher y no tan superior que las de Burton (en especial Batman Vuelve). Su absurda y caricaturesca pomposidad reaparece, en menos grados, pero en forma de metáforas subrayadas y recurrentes con Harvey Dent/Dos Caras-como la metáfora personificada ya de por sí cristalina- sobre el que cae el peso dramático y los diálogos ridículos-junto a un olvidado y perdido Alfred-, aunque su planteamiento inicial es interesante…hasta que se convierte en Dos Caras. Puede que ese sea el principal error de The Dark Knight, que empieza como un aburrido cómic de Jeph Loeb y Tim Sale, pero que se redime con un Joker que es la verdadera estrella de la función.


Ahora lo bueno, la película está plagada de ideas buenas( ¡atención al BAT-POD!) que se llevan correctamente a cabo: Un Joker-Un Heath Ledger- perfecto, alejado del histrionismo de Nicholson, mucho más perverso, divertido, anárquico (¡podría ser discordianista!)e hijo de puta. Es el Joker quien desata el aire malsano, caótico y las dosis de humor negro en la película. Hay en cada escena suya un detalle interesante a apuntar, en especial, sus apariciones por televisión: pérfidas y provocadoras. Es sorprendente que The Nolan Bros vayan en contra de todo el discurso, por así decirlo, de Begins en el propio Joker: Eliminan un pasado para convertirlo en un ser más enigmático. La dirección que toma TDK gracias al Joker es excelente: Recrea, de verdad, una sociedad en medio del caos y un superhéroe, y sus ayudantes, al borde de sus límites físicos y emocionales, obligados a trazar un plan arriesgado.

Y sí, entretenida, algo primordial para un blockbuster y más de género superheroico. Nolan ha estado bien: Las escenas de acción ya se ven y podemos disfrutar de una bellísima Gotham, e incluso podemos hablar de intensidad en importantes escenas como el primer enfrentamiento contra el Joker (aunque seguimos sin poder hablar de una genialidad al nivel Bourne). Vibrante. Pese a todo, TDK sigue con sus irregularidades y sus caricaturescas pretensiones.

Aullidos

"No puede domesticar lo salvaje. Es natural"


Lo decía uno de los licántropos en la delirante y siniestra parte final de la película dirigida por un joven, y en plena forma, Joe Dante junto a un Sayles en estado de gracia después de haber escrito Piraña, formando otra vez un equipo más que efectivo con Dante. Digámoslo, puede que sea la frase que resuma los valores de la película: Aullidos encuentra su fuerza y su belleza en la brutalidad de un tipo de hommbre lobo excesivamente salvaje, depravado y con...problemas emocionales.

Sin tomarse ninguna complaciencia con el espectador y totalmente agria, lo que no quiere decir que se permita destilar humor en casi toda la-repito, excelentísima- parte final,Aullidos empieza casi como un giallo, o empieza donde sería la parte final de cualquier thriller pero dirigido de una manera mucho más onírica, cuando nuestra protagonista se acerca al loco que le acecha. Dante consigue de los primeros quince minutos un resumen serio de a lo más tarde encontraremos: Brutalidad y perversión. Por una parte, en la historia, econtraremos la historia ya citada: La de nuestra atacada y famosa protagonista junto a su marido, en el que esos quince minutos los marcarán hasta ser el causante de la marcha a una villa para hacer terapia de grupo.

Por otra parte, tenemos la parte más Hammer, es decir, la investigación paralela del caso de nuestra protagonista. La pareja de periodistas descubre todo lo que envuelve la leyenda de los hombres lobo. La que, inexorablemente, tiene que acabar metiéndose de lleno en la historia.

En Aullidos, los protagonistas se encuentran indefensos en su peor momento emocional y, como indefensos, resulta imposible salir bien de la situación. Ahí se encuentra otro acierto de Aullidos, la falta de complacencia con el espectador de la que hablaba antes, aparte de que Dante sabe perfectamente mantener el pulso escenas de los ataques de licántropos sin perder en ningún momento tanto la emoción como la espectacularidad. Es lo que me lleva a recordar-¡llámenme loco si quieren!- Perros de paja de Sam Peckinpah, tanto en el ritmo de la narración como en la llegada de un matrimonio en una comunidad hostil.

Referencial, sí, Aullidos se sabe alejar de una manera inteligente, y no se limita la pura referencialidad, sino que crea una nueva vía con un hombre lobo dibujado ya como más poderoso y como secta de locos. Mención especial un final tan impactante como inolvidable: Una transformación y una muerte en directo desde la televisión. Que también define a Aullidos, una buena idea llevada hasta el extremo.

De Vuelta

No puedo describir el mes. Puede que haya sido de lo mejor que me ha pasado en la vida.

Anarchy in the Uk

Todo el mes aqui. Me quedan tres semanas.

Breve Reseña Cronocriminal

Los Cronocrímenes, de entrada, es la película más inteligente del año. Es raro y doloroso que haya gente que no la entienda, quizás porque le asuste el hecho de ir reflexionando conforme se mueve la acción o porque no le agrade su juego, pero no se le puede negar ni su atrevimiento, su emoción, su inteligencia y su capacidad para ir sorprendiendo en cualquier momento, llena de detalles obligados a una revisión que hacen de una película de ecos Hichcockianos, aunque genuinamente vigalondiana(es decir, completamente autónoma), una joya. Todo en Los Cronocrímenes tiene sentido: Desde las propias interpretaciones de los personajes hasta cómo se mueve la historia. En definitiva, es un puzzle, un juguete (yo diría que un LEGO) divertidísimo y sesudo: Incluso después de desmontarlo sigue sorprendiendo( y se sigue disfrutando).

Speed Skins

No me gusta anunciar, ni prometer, ni nada. Pero cuando les anuncio right now es porque en breves tendrán una breve reseña que resuma por qué mola y es tan cool Skins. Es decir, retomaremos, e incluso, me permitiré el placer de renovar todo lo escrito.

Southland Tales

Richard Kelly se alzaba con su ópera prima, Donnie Darko, como esperanza del fantástico, y a su vez, como una de las revelaciones americanas más interesantes en años. Donnie Darko era una excelente muestra de talento visual, exquisito gusto musical, y viajes en el tiempo. Kelly confeccionaba un film que aunaba crítica al american way of life( a la figura del americano 'guardián de la moral', votante del partido republicano) el retrato de un joven inteligente y algo trastornado, quizás, una mirada autobiográfica de Kelly, su propio yo jugando al elige tu propia aventura. Donnie Darko pecaba de su dilatación innecesaria en el relato, y el juego ambigüo, a medio camino y sin decantarse hasta el final del relato, por un tono dramático, cierta ironía y el homenaje, o esos matices psíquicos que podían hacer dudar de si Donnie estaba realmente loco o no( Ya ven: Tantas cosas metidas en una, tantas cosas que decir...que acaba siendo el que será el principio de los males de su próximo film). Todo unido a una filosofía sobre el viaje en el tiempo que, por momentos, se acercaba a la fantástica metafísica borgeana.(recuerden el inexorable camino hacia la muerte y de las realidades alternativas propuestas cuando hablé de 'la muerte y la brújula') .

-Cuando vean el Director's Cut de Donnie Darko podrán llevarse una decepción, y al mismo tiempo, la historia queda mucho más clara. En el añadido se incluye ciertos matices en las personalidades de los protagonistas, algún juego visual y poco más.


This is the way the world ends. Not with a Wimper, with a Bang.

Kelly peca de hiper-ambición. Pues, digamos, que Southland Tales es el intento de una revolucionaria obra de ciencia ficción, de un épica historia en el umbral del apocalipsis. Richard Kelly, hinchado por la crítica de su ópera prima, intentó idear la perfección( o algo adelantado a su tiempo) y acabó saliéndole un cúmulo de todo y de nada: No es del todo una historia de amor en el apocalipsis, tampoco acaba siendo una reflexión sobre el poder de los medios, sobre todo de internet, en un futuro próximo a lo que imaginó Orwell en 1984, y que llega a ser una interesante visión del poder que ejercerá sobre nosotros y de cómo lo utilizaran los gobiernos, ni tampoco la crónica de una sociedad de neo-marxistas en busca de la conquista del mundo y el fin del capitalismo. En efecto: La propia idea de Southland Tales, su propia ambición, es superior al propio Kelly que, con 31 años ha fracasado en el intento de su primera revolución. Pero no todo es desastre en Southland Tales, lo bueno de toda ella es que, con su mezcla de ideas locas y algo de lucidez, acaba saliendo un film divertidísimo con un 'The Rock' espectacular y antiheroico, es la historia de la anti-épica apocalíptica de una estrella del cine metida, sin ton ni son, en un intrincada lucha política/social. Y otra de las virtudes de Southland Tales es la capacidad de distribuir la-poca-información y las distintas tramas unidas, por ello es una divertida obra maestra fallida y una muestra interesante de ciencia ficción que conforme llega al final delira hasta extremos.Esperemos que dentro de muchos años, cuando Kelly ya sea confirmado como una figura, retome su Southland Tales y la convierta en lo que pretendió en nuestros tiempos. Quién sabe, quizás pueda viajar en el tiempo.

PD: Sean William Scott se sale y hace el mejor papel de su carrera.

PD1: S. M Gellar no enseña las tetas. Y Mandy Moore tampoco.