La Nova Sala

The future is owned by you and me

2011-05-26T03:56:00.000-07:00

Lo de Sol siempre estuvo latente dentro de nosotros. Esa tensión que ahora se ha convertido en una serie de acampadas reivindicativas, siempre estuvo presente en gran parte de la juventud española que se ha dado cuenta de que ni puede, ni debe vivir resignado ante el devenir, esperando que el actual sistema, siempre cíclico, vuelva a la estabilidad y que, años más tarde, vuelve a fracasar. Que todo cambie para que todo siga igual.

De algún modo, el movimiento Democracia Real Ya parte de evitar, de luchar, precisamente contra, la resignación ciudadana ante ese ente abstracto llamado sistema o ese primo suyo llamado 'los mercados'. Primero, porque como apuntó Anguita en una de sus intervenciones en el programa 59 segundos, uno no vota a los mercados, uno vota a un partido político del que espera una serie de políticas determinadas. El terror se encuentra cuando cualquier partido, del color que sea, ejerce las mismas políticas, acatando a la decisión de los mercados, ese Dios de la era moderna. Ahí surge la desesperación, la fustración ante tu realidad política, adocenada y servil. Segundo, si existe un sistema, si existen unos mercados si, además, tienen sentido que existan es porque hay una sociedad que les da sentido y no al revés. Es decir, son los mercados los que deberían servirnos y no al revés. Por lo tanto, es inaceptable aceptar una derrota ante algo que se han esforzado en dibujarlo como un ser invencible al que, pese a tu ideal político, tienes que aceptar sus exigencias porque, según nos siguen diciendo, no cabe otra posibilidad. La otra posibilidad mejor dejarla para nunca, la otra posibilidad mejor que la mantengas dentro de tu cabeza. Libertad, dicen, pero no te salgas de los límites marcados. Lo que no se esperaban era que nuestra aparente pasividad cambiase gracias a cierto golpe de suerte causado por las cuarenta personas que acamparon por primea vez ni tampoco esperaban el efecto en cadena propiciado por una de las herramientas más importantes de nuestros tiempos: Twitter. Al igual que parte de España, Twitter pasó de la culturar del Trending Topic absurdo y del linchamiento de famosos a una red que contribuía con la propagación del espíritu crítico.

Creo, pues, que todos nos hemos revelado partiendo de estas dos ideas principales. Y ahora, la pregunta que todos nos estamos haciendo ahora ¿Cómo acabará esto? ¿De verdad esto está sirviendo? ¿Será una nueva derrota ante la actual democracia rancia imperante? Es difícil responder, probablemente no lo sepamos hasta dentro de un tiempo, todavía es pronto para conocer su repercusión real. Javier Pérez Andújar escribía el otro día en El País "El sistema no existe, los fantasmas no existen. Solo existe el miedo. Pero existe también la lucha por un mundo mejor. Cada generación tiene la obligación de cambiar el mundo. Algunas lo consiguen y otras se hacen polvo " . Es, entonces, cuando surge la incertidumbre porque nuestra duda, por lo tanto, es si la nuestra será de las que lo consiguen o de las que se hacen polvo. Una incertidumbre tan natural, tan humana como el proceso que llevó a a las acampadas. La misma incertidumbre que todos teníamos hace 12 días, cuando muchos de nosotros no creíamos que en España nos uniríamos para hacer algo que, si bien no sabemos cuánto funcionará, sí sabemos que es esperanzador. Con toda seguridad, el proceso más esperenzador que ha sucedido en la España moderna. Un proceso liderado por todos y por ninguno. Quizás esta pequeña revolución no funcione pero lo más importante es que ya ha dado ejemplo, que ya ha marcado un antes y un después en los que venimos desde atrás con ganas y con fuerza. Lo que estamos viviendo es una pequeña representación, rayo de luz, un pequeño margen de esperanza que nos demuestra que un mundo mejor es posible. Sin lugar a dudas.

Y como cantaba Jarvis Cocker en el estribillo de Mis-Shapes: "We're making a move, we're making it now, we're coming out of the side-lines. Just put your hands up - it's a raid yeah. We want your homes, we want your lives, we want the things you won't allow us. We won't use guns, we won't use bombs, we'll use the one thing we've got more of - that's our minds."

Les Herbes Folles.

2011-01-24T09:47:00.000-08:00

Gracias al interés de los formalistas rusos por discernir en qué se caracterizaba toda obra poética, Shlovsky, uno de los formalistas más reconocidos, formuló un concepto que parecía marcar la diferencia entre el lenguaje cotidiano y el poético. Se trataba del extrañamiento. Éste concepto se definía como la técnica que conseguía hacer extraño a los objetos, volverlos especiales, desautomatizarlos y darle uno o varios significados nuevos. En palabras de Sholosvky

"crear formas complicadas, incrementar la dificultad y la extensión de la percepción, ya que, en estética, el proceso de percepción es un fin en sí mismo y, por lo tanto, debe prolongarse"

Es decir, el extrañamiento es singularización. Es el trasvase entre lo convencional y lo especial. Pero existe otro concepto formalista que creo pertinente remarcar: El motivo. Tomashevsky pensaba que todo lo que no era esencial en una narración se trataba de un motivo.

Por lo tanto, no es baladí que un creador tan singular como Alain Resnais se autodefina como formalista. Si observamos su última película, Les Herbes Folles, observaremos cómo es capaz de convertir una historia de apariencia convencional (Un hombre que se obsesiona por una mujer) en algo mucho más especial mediante la puesta en escena(el extrañamiento). Resnais consigue soluciones narrativas nada obvias, como si tratase de que el relato, en forma y, como consecuencia, en fondo, huyese constantemente tanto de lo usual como de lo racional. Sus personajes se abandonan a la forma, actuando a impulsos y la obra, a veces, parece concentrarse en motivos(sea una ensoñación o alguna disgresión en la narración).

Su genio para el manejo del lenguaje cinematográfico, desde los movimientos de cámara hasta el uso del color en cada escena, le permite recrear un universo particular, azaroso, bello y misterioso, jugando con la proyección de las imaginaciones de los personaje, con un onirismo nada obvio. Cada escena parece un experimento dispuesto a impresionar y desafiar por su forma al espectador.

This Time Tomorrow(1)

2011-01-18T07:10:00.000-08:00

Sobre Antes del amanecer(Richard Linklater, 1995) y Antes del atardcer(Richard Linklater, 2004)

En el final de Antes del amanecer, Linklater finalizaba su película con una serie de planos que recogían los lugares sobre los que la pareja protagonista había deambulado durante ese día especial en Viena.. Lo que estaba haciendo era, de algún modo, subrayar y establecer un nexo emocional entre el paisaje, los protagonistas y los propios espectadores. Los dos planos finales nos mostraba a la pareja por separado y representando una reacción paralela. Una reacción que confirmaba al espectador que aquel día se había convertido, definitivamente, en el recuerdo más preciado de sus vidas. Un recuerdo en el que el espacio, el lugar (Viena) y el tiempo(uno de los factores claves de su secuela, Antes del atardecer) se contstituyen tan importantes como la situación(el flirteo, las largas conversaciones, etc.. entre los dos).

Al principio de Antes del atardecer, el cineasta utilizaba la misma estrategia narrativa, la misma idea pero utilizándola como prólogo y no como epílogo: Observamos como Linklater realiza un mapa de la localizaciones, una selección de los lugares claves de la película no sólo como una manera de dialogar con su antecesora, sino como una forma de expresarnos y de adelantarnos que este reencuentro va a ser especial. Un reencuentro en el que las proyecciones de los dos( y la película, como secuela, también es proyección de la anterior), afectadas por el fantástico recuerdo, serán más importantes que nunca.

Original y Copia

2011-01-01T12:17:00.000-08:00

Ahora que estamos acabando el 2010 y que, durante estos dos últimos meses se han estrenado en España dos de las películas más interesantes del año, creo pertinente apuntar un par de ideas.

Las dos películas en cuestión: Copia Certificada (Abbas Kiarostami, 2010) y Uncle Boonmee recuerda sus vidas pasadas (Apitchatpong Weerasethakul) comparten dos aspectos importantes: Las dos son casi inabarcables en cuanto a interpretaciones posibles y en las dos la idea de la reencarnación, un aspecto que explicaremos a partir de lo dicho por Carlos Losilla en la Cahiers de Diciembre 2010, sobre Uncle Boonme

" Desde esa perspectiva, la reencarnación es también un espejo, una imagen que se reproduce en otra que a su vez recuerda a la primera sin ser la misma. Y los fantasmas son dobles de los vivos , que se perpetúan en el tiempo"

En Copia Certificada, una mujer y un hombre, aparentemente desconocidos, comienzan a seducirse mediante una serie conversaciones. En un determinado momento, se produce un giro sutil y confuso (pero excelente) en el que, al parecer, en realidad se trata de un matrimonio que celebra su decimoquinto aniversario como un reencuentro en el mismo lugar donde empezó, tejiendo una especie de simulacro del pasado. Más o menos este sería el resumen, aunque la película deje una vía abierta para interpretar que la pareja, en realidad, se acaba de conocer y está fingiendo.

Si nos atenemos a las palabras de Losilla, podemos encontrar en sus palabas sobre la película de Weerasethakul la interpretación de la de Kiarostami. Tomemos la idea de reencarnación y sustituyámosla por el concepto de original/copia que aparece durante todo el film de Kiarostami. En cierto modo, estamos hablando de reencarnación cuando la pareja trata de revivir el pasado, fracasando en el intento de transformarlo en un presente más aciago y melancólico. O utilizando las palabras de Losilla, podríamos decir que la pareja es la imagen que recuerda a la primera sin ser la misma. Pero la clave y la sofisticación de Copia Certificada entra justo cuando plantea el debate acerca de si es cierto que ya no son los mismos o, si, por el contrario, son la misma pareja con una percepción diferente, una percepción afectada por el tiempo y el espacio (Al parecer, el hombre se ha encontrado siempre alejado de su supuesto hijo y su supuesta mujer). Es decir, si el original(la pareja en el pasado) se convierte en una copia perfecta o si naufraga en su intento(la pareja en el presente).

Si vamos más allá de la cita de Losilla, también podemos interpretar a los dos matrimonios(o incluso la escultura de los enamorados de la plaza del pueblo), el joven y el anciano, que la pareja protagonista de Copia Certificada se encuentra como diferentes espejos que les evoca un pasado que pudo ser y un futuro que pudiere ser.

Aquí radica la importancia de las dos películas, en su inteligencia a la hora de plantear cuestiones abiertas y obligar al espectador a una reconstrucción mental de lo que se elide para así poder comprender todo su conjunto.

Monty Python

2010-10-22T04:28:00.000-07:00

Próximamente

Air Doll

2010-07-05T16:49:00.000-07:00

Ese bloguero reconoce que no ha visto ningún trabajo previo de Hirozaku Koreeda, así que no puedo establecer los puntos en común con su obra previo a su último trabajo, Air Doll, una película arriesgada y bella, a partes iguales.

Air Doll comienza con una escena cotidiana para el protagonista, pero que para el espectador medio es un simulacro de cotidianidad. Esa misma escena, en la que un hombre se encuentra cenando con una muñeca hinchable a la que trata como si fuera real ya establece las constantes que va a seguir la película, pero la escena que realmente condensa las claves de la películas, tanto en la estética como en el fondo, se encuentra cuando la muñeca hinchable cobra vida. Lo extraño, lo fantástico se integra como algo relativamente normal en la vida cotidiana.Describirla sería una pérdida de tiempo porque es preferible sentarse a disfrutarla.

Koreeda realiza un cuento de hadas que se construye entre la ingenuidad de la protagonista y la perversión que le rodea, una perversión que se revela producto de una soledad, una soledad colectiva como se encagará de subrayar la película por medio de unos secundarios que utiliza el director para representar un universo lleno de pérdidas, disfunciones y, sobre todo, carencias emocionales.

Pero lo más importante es como Koreeda lo representa: Un microcosmos donde los personajes se desarrollan y padecen el paso del tiempo, un tiempo y un espacio que nunca cambia para ellos: Siguen solos. Los planos generales tratan de representar un vacío que actúa como metáfora de la propia tesis de la película, y tratado con un poética bella y contemplativa gracias al cuidado de su director, que elabora imágenes y planos imborrables por su belleza y profundidad(La muñeca deshinchándose, el encuentro con el abuelo o el triste final).

Y una vez más, hace falta resaltar la inteligencia de su director que, de manera literal y simbólica, usa la historia de una muñeca hinchable que cobra vida como representación del vacío de lo humano en la sociedad actual, culpa de la cotidianidad y de la cultura, en la que lo más triste es que ni el amor puede ser una solución.

Próximamente

2009-12-21T04:15:00.000-08:00

La Nova Sala reabrirá en Navidades, cuando la mayoría decide tomarse unas vacaciones blogueras, yo decido darle al acelerador, al menos durante algunos días. A contracorriente, que es como nos gusta vivir la vida a veces.

Y, para terminar, una muestra de lo que hablaremos próximamente:

Halloween

2009-11-01T12:42:00.000-08:00

Noel, un año más, ha vuelto a organizar una estupenda semana especial de Halloween. Como es costumbre, ha permitido que los lectores podamos colaborar con un texto. La temática de este año ha sido "My Horror Love". Aquí tienen mi humilde aportación:

Ellen Page en Hard Candy

Si bien la película dejaba que desear en muchos aspectos, Ellen Page era, precisamente, lo más destacado de ella. Bajo la apariencia de ingenua pero sofisticada adolescente, amante de las, uhm, deliciosas tartas de chocolate, se escondía una caperucita roja que había aprendido a invertir la jugada del lobo, y convertirse en una dulce y perversa vengadora: Su aparente condescendencia final con el hombre al que tortura se revela como el más pérfido y cruel plan de los posibles. Una falsa redención. Por su crueldad, inteligencia y belleza púber consigue ser mi escogida.
Pero qué demonios…
Seamos sinceros, vamos. Fue culpa tuya, Ellen. Nunca te hubiese elegido la reina absoluta de mi Halloween si no me hubieras llamado temblorosa, embaucándome bajo tu supuesto candor. Llegaste a mi casa tan ávida de Eros y Thanatos que sólo la mitología griega podría compararse con la noche que pasaste en mi cubículo londinense, que había mutado en la ciudad de los muertos vivientes. De aquella noche permanecerá en mi memoria de fantasma tu obra maestra : Tu vestido ensangrentado, y la sardónica y retorcida sonrisa que me clavaste mientras me enviabas al infierno. Feliz Halloween

Verano Fresán

2009-09-19T04:07:00.000-07:00

Este verano será recordado por servidor por dos cosas especialmente relevantes: La primera, y más importante, es algo más personal y la segunda es la iniciación en el universo Fresán, el primer autor del que puedo decir que un libro suyo habla mejor de mis sensibilidades que de lo que podría expresar yo mismo.

1. Tanto Jardines de Kensington como Vida de Santos contiene una sensibilidad característica, marcada por un estilo cada vez más definido, barroco y alucinado, que parece reunir la depuración imaginaria(o mental) de todos los gustos del autor. Si Borges era el resultado de los libros leídos, Fresán es justo eso y, acorde con la sensibilidad posmoderna, también es el resultado de todas sus preferencias culturales asimiladas: Fresán engendra un artefacto narrativo, un universo en constante mutación (que en sus narraciones adquiere el nombre de Canciones Tristes) donde las introduce. Así pues, un ejemplo claro sería el de Jardines de Kensington donde se puede comprobar como la canción A day in the life de The Beatles, que parece marcar el relato, se da de la mano junto a las canciones de The Kinks.

2. Antes marcaba como característica su barroquismo, producto del constante uso de sus digresiones que, al fin y al cabo, es la seña de identidad que marca más a Fresán. En los relatos de Fresán, y hablo mirando más hacia Vida de Santos que Jardines de Kensington, la historia que se narra acaba ensuciada por la digresión del narrador, que al mismo tiempo se convierte en lo que define la personalidad del propio personaje / narrador de cada historia. Ya lo dice el propio Fresán en un artículo sobre su propio estilo “ciertas ausencias claves marcan el estilo tanto o más que ciertas presencias recurrentes y asimiladas”

3. En Vida de Santos, su segunda novela, hay un factor común en la temática de todos los relatos: La religión como excusa terrenal para poder creer en algo que piensan importante, un plan cuidado y perfecto. Los personajes son ovejas descarriadas, con algún talento especial o alguna deformidad mental, que necesitan exorcizar un hecho fantástico del pasado que marca su presente. Recordar para olvidar: Una forma de catarsis. Quizás sea la razón por la que la mayoría de los relatos contienen una especie de ironía siniestra implícita en cada frase.

4.Una de las mayores genialidades del libro radica en la originalidad con la que forma la narración de algunos relatos. En el excelente “ La memoria de todas las cosas” –el relato que más lo acerca tanto en fondo y forma con Jardines de Kensington- Fresán hace que el mecanismo de su relato como si se tratase de entrar en el Palacio de la memoria, ideado por Ricci, del que habla en el propio relato.

5. Como en Jardines de Kensington, aparece la sombra o el fantasma de la narración. El fantasma según Fresán, que definió en Jardines de Kensington como:

“ Fantasmas que no son muertos-vivos, sino vivos-muertos. La potencia de su recuerdo se instala en nuestro presente y los muertos se presentan ante nosotros en los momentos menos pensados(...) La electricidad de ese recuerdo es el alimento que nutre al fantasma. “

Un halo inasible que ha permanecido en segundo plano, pero sin dejar de aparecer y que resurge al final con fuerza para cerrar el relato( el fantasma de todos los muertos de la familia Lewellyn Davies en Jardines de Kensington que parecer ser la razón por la que Peter se suicida, según Fresán; Jude en Vida de Santos, que ejerce de omnipresente secundario hasta protagonizar el último relato del libro). Un ejemplo, en boca de Jude:

“Por fin hablo por mi mismo y no a través de las bocas y ojos de los alucinados con los que me crucé durante estos últimos veinte siglos”

6. Precisamente es ese capítulo final el que acaba por redondear el libro. Fresán parece erigir una metáfora sobre la narración. Jude podría ser el alter ego de Fresán. Fresán ha jugado con el lector del mismo modo que Jude ha jugado con los protagonistas de todos los relatos, enfrentándoles a un hecho fantástico sin revelarles la verdad detrás de él. Jude, entonces, es (cambiando lugar por persona) “ La sombra dentro de la sombra dentro de la sombra. El lugar donde los distintos ingredientes de la trama se enganchan” . Una preciosa metáfora del narrador como predigitador. “Ahora ve, ahora no lo ve”.

Breve apunte sobre Lost

2009-03-26T13:17:00.000-07:00

SPOILERS. WARNING

En la quinta temporada Lost se confirma más que nunca como una serie inteligente y con capacidad de riesgo narrativo. De hecho, en esta última temporada se está revelando una estructura más compleja sobre la que está girando esta temporada hasta hacer de cada capítulo(Y van 10) una joya.

En este capítulo, precisamente, Lost plantea una disyuntiva a la resolución que, en teoría, insinúa su estructura(Propone un dilema a la famosa frase de Faraday en la serie sobre su teoría del viaje en el tiempo, y que parecía que la serie confirmaba, "What ever happened, happened") : El asesinato de Sayid a un joven Benjamin Linus marca un-sugerente-nuevo enigma sobre el que parece que en el final de temporada se hablará.

Además, el capítulo de ayer volvía a la antigua estructura Lostie (flashback+ presente) pero establece y define la personalidad de Sayid para desvelar el sentido de su vuelta a la isla, que resulta tenebroso: Descubrir que su inexorable condición de asesino es su misión.

La Mala Educación

2009-03-18T05:49:00.000-07:00

La Mala Educación, una de las últimas películas que conforman esta última etapa cinematográfica de Almodóvar donde se está revelando, cada vez a más, como un autor con un juego narrativo cada vez más inteligente bajo el que residen historias de fuertes pasiones. Almodóvar vuelve a construir un intrincado labertino lleno de espejos que revelan, precisamente, una trágica historia de amor obsesivo y terribles secretos.

Almódvovar hace de un-poliédrico- melodrama noir, que mira de reojo a Vértigo(1959, Alfred HItchcock), en el que se intercalan distintas voces que van desnudando la naturaleza misma de la historia(el poder obsesivo del amor). La metaficción de la película se encarga de explicar a los propios protagonistas bajo el prisma del eje narrativo de la historia(Ignacio, su teórico protagonista). Es justo la ficción la que, de una manera adulterada, puede expresar mejor la siniestra realidad en la que se encuentra. Es, por eso, por lo que La Mala Educación se convierte en una joya: Su capacidad de expresar una historia con una base tan manida y convertirla en un complejo relato donde el relato se multiplica conforme sus personajes van completando la drámatica historia.

Platillos Volantes

2009-01-09T17:32:00.000-08:00

En la fundacional ‘Ultimatum a la tierra (Robert Wise, 1951)’ el extraterrestre, Klaatu, comunicaba a dos humildes humanos la necesidad de reunir a todas las naciones de la tierra y establecer un acuerdo vital entre ellas como condición para la supervivencia de la tierra. La atrevida película de Wise tenía un mensaje pacifista y la crítica a un gobierno cada vez más escéptico e interesado por su capacidad de destrucción.

En Platillos Volantes (Óscar Aibar, 2003) hay dos guiños especialmente claros al film de Wise: El primero es la idea de la necesidad de unir todas las naciones del mundo, la segunda es, directamente, un guiño explícito que se convierte en un supuesto mensaje extraterrestre a los dos humanos protagonistas de la narración. Hasta ahí, puede parecer una revisión intimista, divertida y vacía de extraterrestre de ‘Ultimatum a la tierra’ pero que, precisamente, es diametralmente opuesta: En ‘Platillos Volantes’ ocurre algo similar a lo que diría Jordi Costa acerca del corto Domingo (Nacho Vigalondo, 2005) pero al revés, o incluso más radical,” ese desplazamiento del objetivo de lo prodigioso a lo trivial, de lo cósmico a lo privado”. En el film de Aibar se mantiene siempre cercano a lo privado pero tratando de llegar a lo cósmico, sin mostrar nunca lo cósmico. La búsqueda de Lo cósmico como evasión, como aventura para evadirse de una realidad gris y pesada.

Si ‘Ultimatum a la tierra’ tenía, como decíamos, una crítica a un gobierno destructivo, Platillos Volantes contiene un correlato de una España en sus últimos años de opresión franquista, todavía con muchos dogmas que abandonar y, también, con Estados Unidos en un momento especialmente bullicioso. La película se revela como una curiosa y divertida cinta de ciencia ficción sobre extraterrestres sin extraterrestres, donde los ilusos protagonistas parten de una monótona cotidianeidad hacia una esperanza galáctica donde encontrar la verdadera purificación.

Pineapple Express

2008-12-11T05:28:00.000-08:00

En Superbad, Seth Rogen y Evan Goldberg se encargaban de construir una comedia adolescente desde la épica que es comprar alcohol siendo menor de edad. Toda la trama giraba en torno a ello, los problemas que se generaban durante una tarde/noche, uno tras otro, hasta el final. La historia se convertía en una buddy movie, y encontrábamos dos bandos paralelos: La los dos mejores amigos, y la de el colega y los policías que complementaba a la otra con mayores dosis de locura. Bajo todo ello, se encuentra una verdadera comedia acerca de la amistad pero, al fin y al cabo, también sobre la necesidad de ser aceptados por los demás.

Pineapple Express repite equipo de guionistas, entre otras cosas, pero, sobre todo, repite el mismo esquema de Superbad. La narración vuelve a girar sobre un determinado suceso que provoca una serie de acciones cómicas pero, si en Superbad era culpa de todo lo que conlleva ser adolescente en Pineapple Express es la inmadurez, el miedo a enfrentarse a los problemas de cara. El temor a abandonar la marihuana; el temor a perder la felicidad.

Pero centrémonos realmente en lo que hace que Pineapple Express se sitúe a otro lado de los habituales productos de la factoría Apatow, y que, de paso, se confirme como una comedia excelente: Ese slapstick ejecutado por una perfecta pareja de fumados que se dilata hasta límites insospechables, y cada golpe siempre es más seco y brusco que el anterior. Mención aparte es la construcción de un trío protagonista que explota todas sus virtudes como cómicos.

Definitivamente, el film de David Gordon Green no es, ni mucho menos, perfecto. Su final se dilata hasta perder ritmo y furia. Algo que la película ya sufre en esos tiempos muertos en los que los efectos de la marihuana parecen relajarse y que no termina de saber hacia dónde ir.

Halloween

2008-10-31T06:26:00.001-07:00

En realidad, no paro de escribir. Sí, hace tiempo que no publico, y no daré demasiadas explicaciones. Mis razones tengo. Pese a todo, y espero volver de verdad rápido, he escrito un texto para el blog de Noel, donde escojo mi Doble Feature para un Halloween de nivel.

Leánlo.

WANTED

2008-09-12T18:22:00.000-07:00

No me asombra, una vez vista la película, las comparaciones con El club de la lucha. Pero en su desarrollo son casi radicalmente distintas, partiendo de una idea como la del hombre mediocre que se auto-expía hasta tener un control total sobre su vida. Wanted, la película, utiliza el argumento al servicio de un festival de clímax adrenalínicos que desafían leyes físicas, que es lo importante, y que, sobre todo, es consciente de que se está creando puro cine. Ya lo decía Tones cuando hablaba de por qué amaba el cine de acción: Es el único género genuinamente cinematográfico. Yo añadiría que es el más espectacular, el más parecido a un parque de atracciones. Y Wanted explota todos los recursos cinematográficos existentes hasta convertirle en un film de una arrebatadora belleza, que sólo podría definirse como orgásmica. Es hiperbólica casi por definición, y no para de principio a fin.

Tampoco me sorprenden las comparaciones con Matrix. Olvídense, Wanted juega en una liga distinta, autoconsciente de lo que es, y por eso es así de chula y divertida. Abandona la metafísica, e incluso, ironiza sobre ella cuando habla de que el destino está escrito en tela. Y es en el final, cuando definitivamente escupe contra ella, en un canto al individualismo tan sarcástico como furioso.

Que Wanted esté protagonizada por supervillanos es necesario (aunque es algo que viene del tebeo, claro) , y no es baladí. Es así como se puede componer una orquesta de violencia, rabia y ambigüedad. El espectador acepta, sin resignación, en palabras de Minchinela, “entrar en una fantasía que no va a ninguna parte”, heredera de Hong Kong (concretamente de John Woo), y tomaremos una escena del clímax final como ejemplo: Wesley entra en la sede de la hermandad, cual Chow Yun-fat, aniquilando múltiples villanos que aparecen de la nada e irrumpiendo en medio del tiroteo, la misma intensidad y un uso del bullet time más perfeccionado. Definitivamente, la película de Timur Bekmambetov acaba como otra fábula subversiva cinematográfica de nuestros tiempos.

La Cosa

2008-09-09T04:26:00.000-07:00

La Cosa es otra muestra más de la genialidad de Carpenter a la hora de recrear atmósferas opresivas y Apocalipsis a pequeña escala. Si con The Fog una niebla simulaba una infierno vengativo que comparte momentos con El más allá de Fulci, en La Cosa la Antártida se convierte en la peor representación de la especie humana. Ya no sólo la ambientación, sumamente inteligente, al escoger un terreno apartado completamente de la sociedad. Es decir, en La Antártida que es un terreno inhóspito, frío y aséptico. Igual que los personajes y la narración de la película. En The Thing el espectador es escéptico hacia los personajes y la situación: No hay nadie con el identificarse, quizás con Kurt Rusell por la simple razón de ser el líder y tomar las riendas, pero tampoco el espectador está seguro de quién es un extraterrestre. Aunque, al fin y al cabo, qué diferencia hay. Así, La Cosa se convierte imprevisible por cada minuto que pasa: Falsas identidades y desconfianza mutua; el film obliga a sus protagonistas a ser individualistas-egoísta- y escépticos con sus compañeros: Igual que el espectador. Y un final magnífico: El Apocalipsis se ha desatado, y la esperanza, probablemente, haya desvanecido.

Hellboy 2

2008-09-08T07:08:00.000-07:00

Hay un momento en la película en la que Hellboy y Abe, borrachos, comienzan a cantar una popular canción de Barry Manilow. I can’t smile without you condensa los valores y los defectos de la película. Es decir, Hellboy funciona cuando el botón del sarcasmo está en encendido, y el humor que destila Del Toro funciona a la perfección junto a esa panda de monstruos encantadores que llevan sus problemas emocionales al trabajo, con una puesta de escena hábil y barroca. Pero fracasa justo cuando Del Toro lleva al melodrama a sus personajes. Suenan falsos, casi de parodia, sin pretenderlo, y en sus peores momentos se acerca peligrosamente a los peores momentos de la olvidable Superman Returns. Aplaudamos a Del Toro el hecho de llevar a su propio terreno a Hellboy, es decir, se nota la armonía que hay entre director y personaje, pero funcionaría mejor asentando, o apostando, más por una sincronía entre acción y comedia protagonizada por freaks' humanizados' e instaurar mayor emoción a sus escenas de acción, bien rodadas y con coreografías estilosas, pero carentes de emoción adrenalínica.

Como digo previamente, la película gana puntos cuando se asemeja a una sitcom protagonizada por monstruos eternecedores: No se extrañen si en la tercera parte los chistes acerca de los hijos de Hellboy sea lo mejor del film. En definitiva, Hellboy juega con las dos caras de una misma moneda: Utiliza el amor como recurso para un chiste, y utiliza el amor para dar unas gotas de melodrama y cursilería que no le vienen nada bien a la película.

Batman: La Máscara del fantasma

2008-08-30T06:51:00.000-07:00

Lo que necesitas es AMOR

“The Animated Series es un producto de los noventa que trasciende de una forma muy bella el espíritu anacrónico de pertenecer a una década”

Alvy Singer.

SPOILERACOS

Adaptemos la frase de Alvy Singer para La Máscara del fantasma. La película de Batman por los creadores de la serie animada. Es momento de rectificar y he de decir que ahora no pienso en The Dark Knight la mejor película de Batman junto a ésta, sino que La Máscara del fantasma es claramente superior en todo. Evidentemente, omite el realismo y la seriedad impostada de TDK. Pero la Máscara del fantasma también es oscura, melancólica, divertida y más profunda (sin querer pretenderlo, todo sea dicho), sin tener que recurrir a frases rimbombantes, metáforas obvias que salen de las bocas de los protagonistas de TDK como si fuesen poetas pochos o dos horas y pico de metraje. En una hora, La máscara del fantasma condensa más que TDK. Me refiero a que consigue contar muchas de las cosas que TDK se propone: Unos orígenes de Batman en el que llega a cuestionarse si convertirse en un justiciero o vivir con su novia una vida sin sobresaltos. Unos orígenes contados mediante recuerdos en un presente pocho y oscuro bajo una estética expresionista recogida de lo mejor que tenían los Batman de Burton, y que sin el espectador lo sepa, nos está contando el origen otro justiciero, aunque su definición real sea la de vengadora. Es decir, la génesis de dos justicieros que combaten lo mismo pero de diferentes maneras: Cuando Batman olvida ser un vengador, y piensa en él como justiciero justo y sin asesinatos, y El Fantasma, el amor de su vida, es una vengadora que mata a todo aquél que provocó la muerte de sus padres, que, al fin al cabo, es la misma mafia que Batman desea desmantelar. Y en el final se nos presenta algo terrorífico: Bruce Wayne no está destinado para el amor, su destino es ser Batman, mientras que Andrea Beaumont está destinada a llorar la muerte de su padre sin ningún apoyo. La Máscara del fantasma también toca el tema del superhéroe y su relación con la sociedad, del rechazo que puede sufrir, aunque no incide demasiado en el tema. Tenemos a un Joker de guest star, como perfecto villano ante un Batman perseguido por la policía e intentado recuperar el amor de su vida en una escenario futurista y abandonado que, paradójicamente, era donde Wayne y Beaumont pasaron uno de sus primeros momentos idílicos. Ahora es la revelación de un futuro mucho peor. La película de Timm, Dini y cia se mueve entre las referencias a los momentos más emocionantes del Batman primigenio en el Año 1 de Miller y la propia serie animada. La película no es perfecta, ni mucho menos, pero están las bases de una excelente sincronía entre acción (soberbias las escenas de acción en la película: Desde sus primeras actuaciones hasta cuando lleva un tiempo siendo Batman), melancolía e inteligentes referencias, algo para lo que Nolan necesita sentirse inteligente al escuchar sus diálogos: Lo peor es que el público acepta que se lo digan a la cara sin ningún respeto.

El Caballero Oscuro

2008-08-13T13:44:00.000-07:00

Una de las cosas que he descubierto viendo The Dark Knight es lo patética y tonta que es su predecesora, Batman Begins, que viendo su secuela ya no tiene ningún sentido y la deja todavía más en ridículo: En Begins había una enseñanza moral y diez evidencias en cada escena que, junto a la melodía de Hans Zimmer, el desaprovechamiento de Rha’s Al Gul convertido en un matón de Al-Qaeda o la interpretación de Katie Holmes y su estúpido Rachel Dowes, llegaba a cotas ridículas-sin mencionar unas escenas de acción, ejem, que más que desastrosas…inexistentes-.

The Dark Knight ni es una película perfecta, ni es la película definitiva de Batman, sí la mejor junto a la animada La Máscara del fantasma, muy superior a Begins, Scumacher y no tan superior que las de Burton (en especial Batman Vuelve). Su absurda y caricaturesca pomposidad reaparece, en menos grados, pero en forma de metáforas subrayadas y recurrentes con Harvey Dent/Dos Caras-como la metáfora personificada ya de por sí cristalina- sobre el que cae el peso dramático y los diálogos ridículos-junto a un olvidado y perdido Alfred-, aunque su planteamiento inicial es interesante…hasta que se convierte en Dos Caras. Puede que ese sea el principal error de The Dark Knight, que empieza como un aburrido cómic de Jeph Loeb y Tim Sale, pero que se redime con un Joker que es la verdadera estrella de la función.

Ahora lo bueno, la película está plagada de ideas buenas( ¡atención al BAT-POD!) que se llevan correctamente a cabo: Un Joker-Un Heath Ledger- perfecto, alejado del histrionismo de Nicholson, mucho más perverso, divertido, anárquico (¡podría ser discordianista!)e hijo de puta. Es el Joker quien desata el aire malsano, caótico y las dosis de humor negro en la película. Hay en cada escena suya un detalle interesante a apuntar, en especial, sus apariciones por televisión: pérfidas y provocadoras. Es sorprendente que The Nolan Bros vayan en contra de todo el discurso, por así decirlo, de Begins en el propio Joker: Eliminan un pasado para convertirlo en un ser más enigmático. La dirección que toma TDK gracias al Joker es excelente: Recrea, de verdad, una sociedad en medio del caos y un superhéroe, y sus ayudantes, al borde de sus límites físicos y emocionales, obligados a trazar un plan arriesgado.

Y sí, entretenida, algo primordial para un blockbuster y más de género superheroico. Nolan ha estado bien: Las escenas de acción ya se ven y podemos disfrutar de una bellísima Gotham, e incluso podemos hablar de intensidad en importantes escenas como el primer enfrentamiento contra el Joker (aunque seguimos sin poder hablar de una genialidad al nivel Bourne). Vibrante. Pese a todo, TDK sigue con sus irregularidades y sus caricaturescas pretensiones.

Aullidos

2008-08-10T09:10:00.000-07:00

"No puede domesticar lo salvaje. Es natural"

Lo decía uno de los licántropos en la delirante y siniestra parte final de la película dirigida por un joven, y en plena forma, Joe Dante junto a un Sayles en estado de gracia después de haber escrito Piraña, formando otra vez un equipo más que efectivo con Dante. Digámoslo, puede que sea la frase que resuma los valores de la película: Aullidos encuentra su fuerza y su belleza en la brutalidad de un tipo de hommbre lobo excesivamente salvaje, depravado y con...problemas emocionales.

Sin tomarse ninguna complaciencia con el espectador y totalmente agria, lo que no quiere decir que se permita destilar humor en casi toda la-repito, excelentísima- parte final,Aullidos empieza casi como un giallo, o empieza donde sería la parte final de cualquier thriller pero dirigido de una manera mucho más onírica, cuando nuestra protagonista se acerca al loco que le acecha. Dante consigue de los primeros quince minutos un resumen serio de a lo más tarde encontraremos: Brutalidad y perversión. Por una parte, en la historia, econtraremos la historia ya citada: La de nuestra atacada y famosa protagonista junto a su marido, en el que esos quince minutos los marcarán hasta ser el causante de la marcha a una villa para hacer terapia de grupo.

Por otra parte, tenemos la parte más Hammer, es decir, la investigación paralela del caso de nuestra protagonista. La pareja de periodistas descubre todo lo que envuelve la leyenda de los hombres lobo. La que, inexorablemente, tiene que acabar metiéndose de lleno en la historia.

En Aullidos, los protagonistas se encuentran indefensos en su peor momento emocional y, como indefensos, resulta imposible salir bien de la situación. Ahí se encuentra otro acierto de Aullidos, la falta de complacencia con el espectador de la que hablaba antes, aparte de que Dante sabe perfectamente mantener el pulso escenas de los ataques de licántropos sin perder en ningún momento tanto la emoción como la espectacularidad. Es lo que me lleva a recordar-¡llámenme loco si quieren!- Perros de paja de Sam Peckinpah, tanto en el ritmo de la narración como en la llegada de un matrimonio en una comunidad hostil.

Referencial, sí, Aullidos se sabe alejar de una manera inteligente, y no se limita la pura referencialidad, sino que crea una nueva vía con un hombre lobo dibujado ya como más poderoso y como secta de locos. Mención especial un final tan impactante como inolvidable: Una transformación y una muerte en directo desde la televisión. Que también define a Aullidos, una buena idea llevada hasta el extremo.

De Vuelta

2008-07-26T03:20:00.000-07:00

No puedo describir el mes. Puede que haya sido de lo mejor que me ha pasado en la vida.

Anarchy in the Uk

2008-07-06T13:19:00.000-07:00

Todo el mes aqui. Me quedan tres semanas.

Breve Reseña Cronocriminal

2008-06-27T12:38:00.000-07:00

Los Cronocrímenes, de entrada, es la película más inteligente del año. Es raro y doloroso que haya gente que no la entienda, quizás porque le asuste el hecho de ir reflexionando conforme se mueve la acción o porque no le agrade su juego, pero no se le puede negar ni su atrevimiento, su emoción, su inteligencia y su capacidad para ir sorprendiendo en cualquier momento, llena de detalles obligados a una revisión que hacen de una película de ecos Hichcockianos, aunque genuinamente vigalondiana(es decir, completamente autónoma), una joya. Todo en Los Cronocrímenes tiene sentido: Desde las propias interpretaciones de los personajes hasta cómo se mueve la historia. En definitiva, es un puzzle, un juguete (yo diría que un LEGO) divertidísimo y sesudo: Incluso después de desmontarlo sigue sorprendiendo( y se sigue disfrutando).

Speed Skins

2008-06-10T05:17:00.000-07:00

No me gusta anunciar, ni prometer, ni nada. Pero cuando les anuncio right now es porque en breves tendrán una breve reseña que resuma por qué mola y es tan cool Skins. Es decir, retomaremos, e incluso, me permitiré el placer de renovar todo lo escrito.

Southland Tales

2008-04-22T10:48:00.000-07:00

Richard Kelly se alzaba con su ópera prima, Donnie Darko, como esperanza del fantástico, y a su vez, como una de las revelaciones americanas más interesantes en años. Donnie Darko era una excelente muestra de talento visual, exquisito gusto musical, y viajes en el tiempo. Kelly confeccionaba un film que aunaba crítica al american way of life( a la figura del americano 'guardián de la moral', votante del partido republicano) el retrato de un joven inteligente y algo trastornado, quizás, una mirada autobiográfica de Kelly, su propio yo jugando al elige tu propia aventura. Donnie Darko pecaba de su dilatación innecesaria en el relato, y el juego ambigüo, a medio camino y sin decantarse hasta el final del relato, por un tono dramático, cierta ironía y el homenaje, o esos matices psíquicos que podían hacer dudar de si Donnie estaba realmente loco o no( Ya ven: Tantas cosas metidas en una, tantas cosas que decir...que acaba siendo el que será el principio de los males de su próximo film). Todo unido a una filosofía sobre el viaje en el tiempo que, por momentos, se acercaba a la fantástica metafísica borgeana.(recuerden el inexorable camino hacia la muerte y de las realidades alternativas propuestas cuando hablé de 'la muerte y la brújula') .

-Cuando vean el Director's Cut de Donnie Darko podrán llevarse una decepción, y al mismo tiempo, la historia queda mucho más clara. En el añadido se incluye ciertos matices en las personalidades de los protagonistas, algún juego visual y poco más.

This is the way the world ends. Not with a Wimper, with a Bang.

Kelly peca de hiper-ambición. Pues, digamos, que Southland Tales es el intento de una revolucionaria obra de ciencia ficción, de un épica historia en el umbral del apocalipsis. Richard Kelly, hinchado por la crítica de su ópera prima, intentó idear la perfección( o algo adelantado a su tiempo) y acabó saliéndole un cúmulo de todo y de nada: No es del todo una historia de amor en el apocalipsis, tampoco acaba siendo una reflexión sobre el poder de los medios, sobre todo de internet, en un futuro próximo a lo que imaginó Orwell en 1984, y que llega a ser una interesante visión del poder que ejercerá sobre nosotros y de cómo lo utilizaran los gobiernos, ni tampoco la crónica de una sociedad de neo-marxistas en busca de la conquista del mundo y el fin del capitalismo. En efecto: La propia idea de Southland Tales, su propia ambición, es superior al propio Kelly que, con 31 años ha fracasado en el intento de su primera revolución. Pero no todo es desastre en Southland Tales, lo bueno de toda ella es que, con su mezcla de ideas locas y algo de lucidez, acaba saliendo un film divertidísimo con un 'The Rock' espectacular y antiheroico, es la historia de la anti-épica apocalíptica de una estrella del cine metida, sin ton ni son, en un intrincada lucha política/social. Y otra de las virtudes de Southland Tales es la capacidad de distribuir la-poca-información y las distintas tramas unidas, por ello es una divertida obra maestra fallida y una muestra interesante de ciencia ficción que conforme llega al final delira hasta extremos.Esperemos que dentro de muchos años, cuando Kelly ya sea confirmado como una figura, retome su Southland Tales y la convierta en lo que pretendió en nuestros tiempos. Quién sabe, quizás pueda viajar en el tiempo.

PD: Sean William Scott se sale y hace el mejor papel de su carrera.

PD1: S. M Gellar no enseña las tetas. Y Mandy Moore tampoco.

Las Sirenas de Titán(1)

2007-06-28T04:53:00.000-07:00

El libro de Vonnegut es, hasta lo que yo he leído, una pasada. Más adelante, cuando me termine el libro que me está costando bastante terminarlo por dos razones: 1ºMe gusta releer párrafos suyos y quedarme pensando qué es lo que nos quiere decir; 2ºPorque pese a estar en vacaciones no tengo mucho tiempo.

Me parece un libro visionario, adelantado a su tiempo, y todo ésto lo digo desde mi más humilde ignorancia(Sí, humilde). En fin, que quiero transcribir unos párrafos del libro para que los disfruteis y comenteis, claro. El primero es, otra vez, desde mi humilde ignorancia, una definición perfecta:

"Waltham Kittredge fracasaba muchas veces en su intento de expresar con palabras la atmósfera de la clase de Rumfoord. Como profesor que era, buscabaa tientas las grandes palabras, y al no encontrar ninguna adecuada, había acuñado una gran cantidad de vocablos nuevos e intraducibles"

Ahora, casi toda la página inicial del libro, en el que creo que vuelve a describir perfectamente la actualidad o lo que podrá ser un futuro cercano:

"Ahora todos saben cómo encontrar el sentido de la vida dento de uno mismo. Pero la humanidad no siempre fue tan afortunada. Hace menos de un siglo los hombres y las mujeres no tenían fácil acceso a las cajas de rompecabezas que llevan dentro. No podían nombras siquiera ninguno de los 53 portales del alma. La religiones de pacotilla era el gran negocio. La humanidad, ignorante de las verdades que yacen dentro de cada ser humano, miraba hacia afuera, pujaba siempre hacia afuera. En su impulso hacia afuera la humanidad confiaba en saber quién era el responsable de toda la creación y en qué consistía toda la creación.

La humanidad lanzaba sus agentes de avanzada hacia afuera, hacia afuera. En el momento preciso los lanzó al espacio, incoloro, insípido, ingrávido mar de la exterioridad sin fin. Los lanzó como piedras. Esos desdichados agentes encontraron lo que ya habían encontrado abundantemente en la Tierra: una pesadilla sin fin, falta de sentido. Los dones del espacio, de la infinita exterioridad, eran tres: Heroísmo vacío, comedia barata y muerte fútil [...] Sólo quedaba por explorar la interioridad-el alma-."

Y no quiero marchare y cerrar el post sin olvidarme de esa gran frase de Malachi Constant "Supongo que hay alguien allá arriba a quien le gusto".

Festival del humor(1)

2007-06-10T05:19:00.000-07:00

Tras un comienzo pasota e irregular, me voy a permitir escribir y, especialmente, mostraros unos momentos humorísticos que, por su sencillez y calidad, me parecen tremendamente divertidos(sinónimo de entretenido).

Empezemos con este vídeo:

Bien, ahora algunos os preguntaréis ¿Qué coño tiene ésto de humor?, pues miren, este fragmento de la maravillosa y larga película de Coppola(Apocalypses now), es uno de las escenas más redondas del cine, ese Robert Duvall bordando el papel del coronel Bill Kilgore gritando"Que comience la
guerra psicológica" y, acto seguido, suena la cabalgata de las walkirias. Mítico. Y es que ese coronel psicológicamente ido protagoniza los mejores momentos de la película antes de la llegada de Marlon Brando. Y en su contexto, tiene gracia, tiene gracia el delirio mental del coronel en medio de una guerra por la nada.

Con el siguiente vídeo he dudado en si ponerlo o no.¿Por qué? porque hay otro del genial dúo cómico que protagonizan 'Little Britain' una serie de humor ácido, muy ácido y sin ningún tipo de límites. Su única meta: Hacer reír de cualquier manera aunque, normalmente, suele ser desde la forma más absurda. Aquí se ve a Andy y Lou( los mejores sketches son de estos personajes) que acuden a una cita en la que, cómo no, Andy vuelve a demostrar que es un cabronazo mentiroso de mucho cuidado.

Para otra genial serie de humor inglesa 'The IT crowd' he tenido que poneros dos videos para que comprendáis mejor el gag del segundo. Es realmente maravilloso y el mejor gag que he visto en una serie este año. Moss y el fuego. También quería poner uno del genial jefe de la emperesa hablando sobre el estrés. Increíble, descojonante, el jefe vestio de ciclista en posturita y hablando sobre el estrés en medio de la oficina con una bicicleta al lado. Delirante, absurdo, genial, original...The IT crowd es una de las razones por las que vale la pena vivir. Otro momento redondo. Recomiendo fervosamente que se baje la serie, 6 capítulos de 23 minutos. Una masterpiece.

Humor español. No, no me olvido del humor español que hay y muy bueno. Vaya Semanita es el mejor programa de humor que hay en España o, por lo menos, de los mejores. Os dejo con la segunda parte de 'La biblia contada a los vascos'.

PD: Me compré ayer un aparato muy curioso, 'La invasión de los ladrones de cuerpos' de Don Siegel y el número uno de Civil War que me encantó.

PD1:Aquí os dejo la foto del aparto curioso que me compré en Popland.

Una de series, por favor(1)

2007-05-28T10:35:00.000-07:00

Desde que un servidor empezara a ver House y después decidió comprar las dos temporadas de Lost, se ha convertido en un vicio. La mayoría de las series son más interesantes; más divertidas y más inteligentes que la mayoría de películas que estrenan cada semana(a excepciones de, por ejemplo, 'Zodiac', la magnífica cinta de David Fincher).

Seamos originales, hablemos de 'Lost'. Sin duda 'Lost' ha sido y es todo un fenómeno mediático televisivo. La intriga, las cuestiones que se plantean y la cantidad de peronajes interesantes han provocado la pasión por ella. Yo mismo, soy uno de ellos. Y es que, 'Lost' puede ser engañosa e incluso algo toca huevos, pero cada puerta que abren(cada huevo que nos tocan) es cada vez más acojonante.SPOILER Se ha pasado de mostrarnos la vida de los protagonistas en el pasado a mostrarnos la vida de los protagonistas en el futuro FIN SPOILER.Todos nos hacemos la misma pregunta ¿Para qué coño les quieren en la isla? ¿Por qué tanto misterio? ¿Qué pasa con eso de 'los hostiles'? ¿Quién es y qué hace Jacob? etc,etc,etc....Ya ven, tantas preguntas y pocas respuestas, pero vale la pena y, especialmente, después de la comentada y excepcional( a mi gusto) Sesion Final. En la cuarta temporada, la serie cambiará para mucho.Otro rumbo nos espera con Jack, Locke y Ben a la cabeza.

Y como estamos originales, hablemos de 'Heroes'.Aviso: Emepezemos por lo malo, el último capítulo es igual de decepcionante que Spiderman 3. SPOILER Tanto se habló de una súper pelea entre Sylar y Peter, y al final, fueron tres puñetazos de mierda sin épica alguna FIN SPOILER. Pero, tranquilos, imagino o espero que haya sido un lapus de Tim Kring y sus guionistas, porque la serie está bastante bien, con sus momentos telefilm, aunque, abundan los buenos momentos(véase el capítulo 20 con un futuro apocalíptico y oscuro). Sin duda los mejores personajes son los de Hiro Nakamura, Peter Petrelli y Sylar, sin duda, esos cuatro, son los pilares fundamentales de la primera temporada. Hay una notable influencia de los cómics y eso le da un toque más 'Kitch' por decirlo de alguna manera.

Y ya hablaremos de 'The Wire', 'Prision Break', 'House', 'The IT Crowd' y 'Curb your enthusiam'.

Una nueva sala

2007-05-13T05:34:00.001-07:00

La Nova Sala, así he titulado el blog, con un par. Ya tengo dos cientos cincuenta blogs, pero me aptecía uno más, un capricho que me puedo permitir. Bueno, como verán, he hecho un juego de palabras de Salanova(mi apellido) Nova Sala(Nueva Sala en castellano), eh, cojonudo(la idea, lamentablemente, no es mía).

No más presentación, please. Quiero que el blog coja, desde ya, una buena marchita. El primer artículo va ser sobre...Spiderman 3, joder, qué original. En fin, la teoría de la parodia no es que sea mía, por supuesto que no, sino que yo también capté que Raimi quería una parodia y la hizo o quizñas no quería una parodia, pero le salió así. Recuerden 'El ejército de las tinieblas' parodia de sus dos anteriores obras maestras del gore-humor-terror-paródico.

Madre mía, me he ido por los cerros de Úbeda. En fin, que aqui tienen una nueva sala para disfrutar, para bien o para mal. Mientras me lean, me da igual que me insulten je je je.